Opernerlebnisse 2024

Während der Aufführung von Macbeth am 21.10. habe ich erfahren, dass der ehemalige Sänger von Iron Maiden, Paul Di´Anno, gestorben ist. Er hat auf den beiden ersten Iron Maiden-Alben – dem selbstbetitelten Debut und „Killers“ – gesungen. Die für manche die besten – wenn nicht die einzigen erträglichen – Alben der Band darstellen. Tatsächlich sind sie von dem, was nachher gekommen ist, verschieden; manche wollen sie sogar als Punkalben verstehen. Damit können Iron Maiden wenig anfangen, aber in ihrer Rauheit und in ihrem Gerumpel haben sie etwas von einer Punk-Sensibilität. Es ist gut, dass das erste Iron Maiden-Album so schlecht – im Sinn von unabgerundet – produziert ist. Es ist, vor allen Dingen, der Titelsong, eigentlich ein verdammt hartes Album, und da sieht man, es ist gut, dass nicht alles von Iron Maiden von Martin Birch fürderhin geglättet wurde, so wie das dann ab „Killers“ der Fall war. „Killers“ hat für mich tatsächlich etwas von einer Zeitkapsel und erinnert mich an das Jahr 1981, was in dem Fall eine sehr frühe Erinnerung wäre. An ein novemberliches, trübes Linz und an die Tragfähigkeit der Nibelungenbrücke; in der Unterführung zur Nibelungenbrücke (auf der Linzer Seite) könnte der Mord aus dem Titelsong stattgefunden haben. Irgendetwas leicht Elegisches, Nostalgisches, in seinem gleichzeitig galoppierenden, aber auch ein bisschen innehaltenden Vorbeirauschen und -rumpeln scheint im „Killers“-Album zum Ausdruck zu kommen. Vor allem im letzten Song, „Drifter“, der ja auch etwas von einem Festhalten und Sichvergegenwärtigen und einem Identitätsstiften im Verstreichen der Zeit, in dem man ziellos, als Drifter, mitverstreicht. Das ganze Soundgewand, für das dann eben Martin Birch verantwortlich war, hat etwas Nostalgisches und Elegisches. „Prodigal Son“ assoziiere ich immer mit einer Szene aus einer Columbofolge, wo ein Albtraum dargestellt wurde, denn auch „Prodigal Son“ hat etwas Verwehtes. „Purgatory“ – zwischen „Prodigal Son“ und „Drifter“ angesiedelt, ist hingegen ein unglaublicher Rumpler. „Twilight Zone“ gibt es nicht auf der europäischen Version von „Killers“, aber der Song hat mir damals so gut gefallen, dass ich mir eine Sonderversion besorgt habe. Auch im Refrain von „Twilight Zone“ hat man dieses Stürzen in den Abgrund der Zeit (und es ist auch ein Song über die Erinnerung bzw. über die Uneinholbarkeit). Paul Di`Anno hatte eine raue Stimme mit eingeschränkterem Umfang als Bruce Dickinson, der ihn nach „Killers“ ersetzte – und der Iron Maiden mit zu einer jener „Opern-Metal“ Bands machte, die sie bis heute sind. Tatsächlich wurden ihre Komposititionen auch teilweise recht komplex. Heute, schon seit vielen Jahren, hat man vor allen Dingen Komplexität, wo früher Rumpeln und Galoppieren herrschte. Das Verstreichen der Zeit gilt eben auch für die Band selbst. Glücklicherweise habe Iron Maiden dieses Jahr am 1. Dezember in Buenos Aires gesehen, auf ihrer „Future Past Tour“. Bei der wurde, neben dem aktuellen Album, vor allem das „Somewhere in Time“-Album von 1986 zelebriert, das eigentlich immer mein Lieblingsalbum war. Zum ersten Mal (zumindest soweit mir bekannt) haben sie dort den komplexen Übersong „Alexander the Great“ gespielt, obwohl der einer der größen Fan-Favorites ist. Wenig später, am 7. Dezember, hat der Schlagzeuger, Ncko McBrain, seinen Abschied vom Touren bekanntgegeben. So habe ich Nicko also noch einmal bei einem seiner letzten Auftritte erlebt. Nicko habe ich früher nicht so gut verstanden. Sein Schlagzeugspiel erschien mir wir ein großes Tingeltangel. Der Schlagzeuger auf den ersten drei Iron Maiden-Alben, also auch auf „Iron Maiden“ und „Killers“, war Clive Burr. Der auf eine einzigartige Weise draufhaute, einen großen Feel hatte, eine Punk-Sensibilität. Lauf Bruce Dickinson sei Clive Burr der beste Schlagzeuger gewesen, den Iron Maiden je gehabt hätte. Nicht wegen der technischen Fähigkeit – bei denen sei Nicko weit überlegen. Sondern wegen seinem Feel und seiner Attutude – die angeboren sei, die man nicht erlernen könne. Später erst habe ich eine Ahnung bekommen von der Komplexität von Nickos Schlagzeugspiel. Unglaublich, dass ich das so lange überhört habe! Aber man höre sich mal das Schlagzeugspiel auf „Where Eagles Dare“, dem Eröffner vom ersten Album, wo er mitgewirkt hat, „Piece of Mind“ an. Das zeugelt zwar nicht so viszeral, aber an allen Ecken und Enden. Paul hatte in seinem Leben nach Iron Maiden insgesamt nicht so viel Glück. Der beste Song nach Iron Maiden von ihm (obwohl ich viel davon gar nicht kenne, zugegebenermaßen), ist „Impaler“ auf dem Album „“Killers: Murder One“ von 1992. Obwohl eher ein Judas Priest-mäßiger Song, hat die Qualität vom alten Iron Maiden Material. Danke für alles, Paul.

30. Dezember 2024

Billy Budd, vertont von Benjamin Britten nach der Vorlage von Herman Melville, ist eine Parabel auf den Kampf zwischen Gut und Böse, mit den zahlreichen Abstufungen der Mittelmäßigkeit und der praktischen Beschränkungen der Existenz dazwischen. Frauen kommen in diesem substanziellen Ringen der Lebensmaechte im Übrigen gar nicht vor lol. Letzte Woche hat in einer amerikanischen Gruppe hier aber einer ausgeplaudert, dass toxische Männlichkeit unter Matrosen der Navy recht verbreitet sei, das habe er selber erlebt. Da habe ich aufgenickt, denn das kann ich mir dann schon vorstellen. Ansonsten habe ich, wenn ich mir das jetzt versuche recht zu vergegenwärtigen, toxische Männlichkeit und echte, verfestigte Frauenfeindlichkeit, so wie sie derzeit als omnipraesent postuliert werden, eigentlich nie wirklich wo erlebt. Beides erscheint mir auch als unnötig und unlogisch. Allerdings weiß ich als Großschriftsteller, so wie Melville, aber auch, dass man bei allen Dingen annehmen darf, dass da der Wurm drin sein kann (sein kann – aber nicht sein muss. Außerdem polstern die zahlreichen Abstufungen der Mittelmäßigkeit die Extreme normalerweise gut ab (daher triumphiert in Billy Budd dann auch keines der beiden tatsächlich)).

30.10.2024

Verdi-Opern ohne echte musikalische Höhepunkte: Otello, Falstaff, Macbeth (im Bild)

21.10.2024

In Entweder – Oder versucht Kierkegaard auf über 100 Seiten nachzuweisen, dass der Don Giovanni das erste Kunstwerk der Welt ist. Naja, wahrscheinlich hat er recht, so wie er ja auch mit seinem religiösen Wahn wahrscheinlich recht hat (und am rechtesten mit dem Erbaulichen, dass in dem Umstand liegt, dass wir gegen Gott immer unrecht haben).

07.10.2024

Dance Music for the „Other”/Homage to M.I.A.

Mathangi “Maya” Arulpragasam aka M.I.A. is a superwoman. She is an entity that is distinctly superior to you; something you cannot match or encounter at the same plane of reality. Together with Betty Davis, Shampoo, Spellling and Billie Eilish, M.I.A. is one of my grand dames in popular music.

Her biography is adventurous. Of Tamil descent, Maya Arulpragasam has experienced the horrors of civil war and “big time” poverty during her childhood in Jaffna, Sri Lanka (yet, as she recalls, also some of her happiest moments of her life). Her father, Arular, was a political activist on behalf of the oppressed Tamil minority (or, as the Sri Lankian government would claim, a terrorist), and was mostly absent during her childhood as he had to live in hiding. At the age of 11 Maya moved with her mother, Kala, to London. There, she experienced outright racism. Nevertheless, she attended art school and had her first exhibitions as a visual artist in the early 2000s. She encountered early success with her art and was also awarded for the Alternative Turner Prize. Then somebody suggested to her making music.

Under the pseudonym M.I.A. she became a critical and commercial success as a musician in the second half of the 2000s, with her albums Arular and Kala (both named after her parents). She had numerous singles and even one great, everlasting hit, Paper Planes, which rightfully got included in the Rolling Stone´s list of 500 best songs of all time (Kala got included in the list of 500 best albums of all time). She struck the audience with her off-the-wall mix of dance and electronic music mixed up with many other influences. Most notably, she struck with her authentic off-the-wall existence. A refugee and victim of many sorts of racism and poverty, coming from a rather unknown country, her M.I.A. project gives you a sense of dislocation as well as a perspective on unity and humanitarianism – a global human perspective, which, as critics mention, has not been reached before or ever since. The M.I.A. songs deal about migration, political violence, rebellion, revolution, oppression, gender stereotypes, and the like. Moreover, they seem to deal with all that at once. Her music has been described as an “eclectic world-underclass dance amalgam”.

The most noteworthy aspect about M.I.A. is, however, its permanent guerilla attitude and its permanent sense of dislocation. Critics have noted an “image of provocation, yet also avoidance of, or inability to use consistent images and messages”. M.I.A. is an artist that cannot ever be “typed”, she is running out in (and retreating from) all directions. She radiates a great deal of chaos and randomness and of psychosis-like creativity. She has a talent of mixing up avant-garde with mainstream, yet in a way of avoiding both the traps the lie in one as well as in the other. It has been said that she is always able to use a larger force against itself. With the result of M.I.A., as suggested at the beginning, always becoming a larger force than you, something truly superior, of another category: a superwoman. M.I.A. is a creative genius of the highest order, to say the least. Respectively, as “genius” might be something you´ll be quite familiar with in popular music, she is a genius of a special kind that needs special investigation.

Not surprisingly, M.I.A.´s music is quite heavy metal. It is agitated, loud, overloaded, confusing, difficult to catch up with, pushing the boundaries, (forever) ahead of its time. Actually it is cacophonic, with her talent being able to turn this inherent cacophony into something relatable nevertheless. Of course, there are also moments of outright beauty and transcendence, with beautiful melodies and harmonies, as this is inherent in the entire M.I.A. perspective as well. Her music is described as fusion between electronic, electroclash, hip hop, alternative, reggae, rhythm and blues, dance, world music, and Bollywood. Indeed, M.I.A. likes to draw many registers. It can also be summed up as avantgarde pop combined with mainstream elements – or the other way round. Nevertheless, whereas fusion sound may often be some helpless eclecticism and something that is blatant and boastful, M.I.A.´s fusion is highly genuine and organic, it originally and organically seems to come from the depths of her mind. What a complex mind! Yet what a strangely complex mind, seemingly transgressing our understanding of complexity into something unfamiliar and unknown, into something other. M.I.A.´s complexity is not an ordinary complexity. M.I.A. has described her music as dance music of club music for the “other”.

Years ago I attempted to characterize such individuals as the „ultracomplex people“. I have written more recently about (Clyfford Still and) radical otherness. M.I.A. is a radical other. A while ago I have written about the “antisphere”: the final sphere of extreme creativity, a negatively curved space, where everything flies into the infinite, and the dances between signifiers and the signified become most eccentric – nevertheless become unified into a whole, a phantasma, that is nevertheless transgressed and understood (as you can most perfectly see it in Spellling´s Under the Sun; M.I.A.´s mind is however too political to be of exactly the same sort and to reside in exactly the same sector within the antisphere; as the political finally refers to some exactly defined and clear meanings). Most recently I have written about alterity: as the condition of the mind of the poète maudite. Due to this sense for alterity, the mind of the poète maudit can grasp infinitely large structures (like establish a universal human perspective): as alterity both contains the ego and the other, in some sort of (“nonlinear”) mutual relationship. It makes the ego look like the other, and the other like the ego, like something inherently familiar to the poète maudit. In M.I.A.´s mind, there is this alterity. That is why she is such a great poet – a poète maudit. M.I.A.´s mind can make up a universal, heterogenous gathering of all races, notably of the global underclass. That is a seldom achievement. (And it is precarious as well: Since the beautifully, colourfully heterogenous elements of this gathering are homogenous in the special mind of the poète maudit, yet heterogenous in reality and to themselves. They are likely to truly diverge. Likewise, what the poète maudit can not truly grasp is conformism, i.e. the true fabric of humanity and society. Therefore, in his universalism, the poète maudit will live in splendid isolation or “forever in the future”. Yet, as M.I.A. acknowledges: hers is club music for the “other” anyway.)

M.I.A.´s videos are extremely creative and they are part of the M.I.A. Gesamtkunstwerk, if one may say so. Her skills as a visual artist come to play in her videos. Often they exhibit acute sensory overload, on other occasions they make impact with very easy, though eccentric means. Bad Girls is one of the strongest (“power women”) videos I have ever seen, Sunshowers features her with Tamil female guerillas in the jungle, XXXO is pop in a hyperspace, Borders powerfully delivers a humanitarian message, Go Off solely shows explosions in a mine (and that work great with the music). I have watched some music videos for Taylor Swift, Beyoncé, Dua Lipa or Rihanna occasionally. Therein, they are all presented as some kind of untouchable, erect queens. M.I.A., by contrast, oscillates in more dimensions. She is clearly more interesting. She oscillates with the world. She is a bit hard to touch as well, but that is due to her complexity, and not due to something that seems fabricated. She seems stronger than the pop queens because she exhibits distinctly more room for maneuver. M.I.A. is clearly liberated and free, whereas the pop queens clearly are not. Taylor, Rihanna et al. clearly are enslaved.

M.I.A. is also often labelled as “the rapper from the future”. In stark contrast to the usually awful voices of rappers, M.I.A.´s voice and singing is beautiful, bright and penetrating. Apart from rapping, M.I.A. has adopted various types of singing. She is described as having a whooping, chanting voice coming in with “an indelible nursery-rhyme swing”. The artwork of her albums, naturally done by herself, are on the verge of being eye-hurting, as it exhibits sensory overload and a guerilla-like approach to art and visual imagery. Like Betty Davis, Spellling, Shampoo or Billie Eilish, M.I.A. exhibits an acute sense for fashion. Fashion in the ordinary sense usually is something quite boring and conformist, even if it is elite. All those mentioned sister musicians and sister geniuses dress themselves in extravagant, random ways, with clothes that often do not fit together. Such a highly penetrative aesthetic view upon the world is something that you can obviously expect from that sort of people. M.I.A. is, all in all, beautiful. A beautiful voice of the global underclass.

Sadly, there is potential that such individuals become alienated from society, if not humanity. M.I.A. always claimed that she did not desire mainstream success, rather would like to remain on the outskirts of mainstream. After her initial albums, she actually gradually faded from view. Her latest album, Mata, from 2022, was released via the internet only. Truly, her albums aren´t that catchy anymore, although especially Mata is a good one, though also a nerdy one. After every album she claims that this would be her last one and the last music that she ever will want to make. It does not seem that M.I.A. is well known today. Recently she has announced that she has “found Jesus”. She is sure that this will annoy a good deal of her fanbase, which largely consists of progressives. It is however natural for individuals like Maya to be spiritual.

There is a place deep inside my heart for Maya Arulpragasam. And, notably, in my mind.

Documentary about M.I.A.

Opernerlebnisse 2023

Opern höre ich mir zuhause selten an, is mir irgendwie zu anstrengend. Ausgerechnet Le Grand Macabre ist eine Ausnahme, die höre ich mir immer wieder mal an. Le Grand Macabre ist eventuell das Opus Magnum von György Ligeti, fungiert zumindest am Ehesten als eine Art Zusammenfassung seines Könnens. Was darin passiert, ist stets frisch und scheinbar spontan, es verfällt nicht in die Abgeschmacktheit und Klischeehaftigkeit, die man bei moderner Musik leicht hat. Es entspricht eigentlich überhaupt keinem mir bekannten Idiom in der (modernen) Musik. Eigentlich ist Le Grand Macabre trotz seiner „Atonalität“ eine sehr musikalisch wirkende Angelegenheit, trotz dem scheinbar Fragmentarischen und Fetzenhaften, das seine Textur bildet, genauer gesagt, der Aneinanderreihung von scheinbar spontanen Einfällen, die schon wieder verschwinden, bevor sie richtig entwickelt werden, um dem nächsten Platz zu machen. Die Handlung – ein Weltuntergang, der dann doch nicht stattfindet, weil alle zu betrunken sind – ist erfreulich für Menschen mit einer ironischen Grundhaltung. Der Stoff stammt ursprünglich von Michel de Ghelderode, einem wenig bekannten Dichter. Ich habe mal das wenige, was bei uns verfügbar ist gelesen und es tatsächlich nicht so gut gefunden. Aber ich werde es noch einmal probieren. Le Grand Macabre habe ich schon einmal vor ca. 10 Jahren gesehen, im Museumsquartier. Damals hat mir das Bühnenbild besser gefallen, dafür wird jetzt besser getanzt, und sie haben herzige Einfälle, wie den mit dem Pferd. Auch wenn Scelsi das reinere Genie war, war Ligeti der raffiniertere Komponist. Schade ist, dass er aus Alice im Wunderland keine Oper mehr machen konnte. Vielleicht ist es ihm allerdings auch überflüssig erschienen. Denn wo Alice im Wunderland das Absurde und Groteske philosophisch und stilistisch erfolgreich integriert und verwindet, geht Le Grand Macabre als Oper eigentlich weiter, indem sie eine noch größere Antithese, nämlich das Idiotische, integriert und verwindet. So betrachtet ist Le Grand Macabre ein wirklich großes Kunstwerk, mit transzendenten Bedeutungen, und ein Gesamtkunstwerk des Musiktheaters. Und dann eben tatsächlich das Opus Magnum von Ligeti. Aufgrund all dessen könnte es eigentlich Eingang in den Mainstream finden. Hoffentlich bleibt es in den kommenden Saisonen im Programm.

17./18.11.2023

Heute habe ich zum ersten Mal die Netrebko erlebt. Die Rolle der Manon Lescaut passt ja gut zu ihr. Bei ihr gibt es ja auch immer nur Vergnügen und Geld ausgeben und niemals Krieg, in den Niederungen der Politik. Bei mir gibt es auch keinen Krieg und keine Niederungen der Politik, weil ich mich mit niemandem streite. Außerdem zieht sie sich gut an und sie präsentiert sich gut, teilweise sogar freakig auf Instagram, was sonst jeweils fast niemand macht.

8.11.2023

Thielemann habe zum ersten Mal vor etlichen Jahren an der Staatsoper erlebt, wie er Die Meistersinger von Nürnberg dirigiert hat. Hanslick, der zeitgenössisch führende Musikkritiker, der feindselig gegenüber Wagner eingestellt war – und der von Wagner eben in den Meistersingern in der Figur des Beckmesser karikiert wurde – war bei der Uraufführung schon mit der Ouvertüre unzufrieden und bezeichnete sie als eine Art ärgerlichen, chaotischen Tonorkan. Das ist schwer nachvollziehbar, denn die Meistersinger- Ouvertüre kommt ja durchaus harmonisiert und geglättet daher. Aber bei Thielemann hat sie sich damals tatsächlich so angehört. Man hat geglaubt, man hört jedes Instrument einzeln und die spielen alle gegeneinander.

17.10.2023

„Leierkasten – Blödsinn“

Nietzsche über Verdi

Vergleichsweise blass ist Verdi eher geworden, als er später im Leben versucht hat, Wagner zu adaptieren (Otello, Falstaff) und die unendliche Melodie zu komponieren anstelle der herben Gassenhauer – Arien (die, wie man wieder hören konnte, an und für sich die Unendlichkeit in kompakter Form sind).

12.10.2023

Wahrscheinlich ist keine Oper – außer vielleicht der Don Giovanni – perfekt. Aber der Barbier von Sevilla ist ein vollendetes komisches Meisterwerk bzw. ein Gesamtkunstwerk der Komik und ein Wunderwerk an Vitalität. Kaum etwas haut einem unweigerlich so nach vorne wie der Barbier. Verständlich, dass Schopenhauer in seiner Fake Grumpiness Rossini geliebt hat. Er ist eine von den besten Sachen in der Welt. Damit steht der Barbier von Sevilla zumindest im irregulären Sinn über allen anderen Opern.

26.09.2023

Nach etlichen Versuchen muss ich konstatieren, dass der Tristan einfach überbewertet ist, auch das Liebestod-Finale suboptimal, für sich genommen, oder im Vergleich zB zum Schluss von Lohengrin oder den Meistersingern (wobei es freilich in seiner dramatischen Zugespitztheit unerreicht ist).

Wobei die Frage bei Wagner immer bleibt: Wie sollte man das anders oder besser machen, und nur ein praktisch letztgültiges künstlerisches Talent kann in solchen Dimensionen was aufspannen und in solchen Dimensionen denken. Vielleicht ist das Phänomenale an Wagner, dass er trotz seiner häufigen Schwachstellen und Mängel, die seit jeher an ihm bemerkt werden, Sachen tut und Ringe schmiedet, mit denen er übergeordnet und unbesiegbar bleibt.

(Wie macht er das genau? Ich glaube, ich muss auch einen Fall Wagner eröffnen.)

20.09.2023

Netrebko: In 9.000-Euro-Stiefeln macht sie sich über Sparer lustig

Einfälle zu Mahler und Beethoven

Was haben wir gestern im Seminar von Manfred und mit den Studentinnen uns erarbeitet über die Neunte Sinfonie von Mahler (die mir im Übrigen immer am besten gefallen hat, und dem Kurt Holzinger auch)? Sie ist die Abschiedssinfonie und ist, laut Adorno, „das erste Werk der neuen Musik“. Aber bei Mahler hat man von Anfang an eine Musik, die inhärent schräg ist. Bei Mahler hat man das Gefühl einer Musik und eines künstlerischen Ausdrucks, der scheinbar dauernd neben sich selbst steht. So gesehen hat man bei Mahler über die Zeit hinweg eigentlich keine künstlerische Entwicklung, eher eine Vertiefung und ein Ausloten dessen, was innerhalb einer solcherart begrenzten Arena möglich ist. Damit läuft Mahler dem Antisemitismus geradezu in die Arme, der behauptet: die Juden hätten keine echten  Gefühle und keinen höheren, edlen Sinn; deswegen gelinge ihnen der echte künstlerische Ausdruck nicht, höchstes ein Imitat vom echten künstlerischen Ausdruck. Umgekehrt gilt klarerweise: Gustav Mahler, der lange vielfach (antisemitisch) Geschmähte und Unverstandene, macht die Musik und die Sinfonik der Moderne, d.h.: der Ausdifferenzierung der Lebenssphären, die nicht mehr einheitlich abgerundet werden können. In den Sinfonien von Beethoven hat man da eine große Ausdifferenzierung und ein ständiges Arbeiten und Vorwärtsschreiten; bei Mahler, vor allem im ersten Satz der Neunten Sinfonie, wird das Arbeiten und Fortschreiten manisch und multidimensional; da greifen die Zahnräder ineinander und schnaufen die Kolben: eine ganze Fabrik arbeitet da (in ihrer teilweisen Kakophonie). Man scheint da mit einer Technik und einem Arbeiten konfrontiert zu sein, das das menschliche Maß bereits überschreitet und sich ein eigenes Territorium errichtet, vom Menschen nicht mehr ganz beherrschbar ist. Moderne eben. Was hätte der titanische Abrunder Beethoven zur Zeit Mahlers gemacht? Was würde er heute machen, in unserer zynischen Zeit? Aber bei Mahler hat man ja grundsätzlich das Gefühl einer Musik und eines künstlerischen Ausdrucks, der scheinbar dauernd neben sich selbst steht. Während man das bei Beethoven genau nicht hat. Unabhängig vom biographischen Hintergrund (die Todesahnung Mahlers und der Wunsch nach der Vereinigung mit seiner verstorbenen Tochter im Jenseits) erscheint der letzte Satz der Neunten (Abschieds)Sinfonie als eine schräge Elegie. So vielleicht als wie wenn es letztendlich eine Elegie über die mangelnde Gravität und die Bedeutungslosigkeit von Elegie, den subjektiven Charakter von Elegie ist. So als ob Gefühle etwas höchst Bedeutsames für uns seien, das aber kosmisch bedeutungslos ist, vom Kosmos verhöhnt werden würde; genau gesagt, auch das nicht: denn eine Abwesenheit kann ja nicht verhöhnen. Auf einer Metaebene ist da Hohn: dass man in ein solches Verhältnis eingelassen ist und es begreift. Das eröffnet Raum für Trennung, Spaltung, Ironie, oder eben auch Hohn. Und bei Mahler hat man diese Trennung und die Abarbeitung entlang des Spektrums von Ironie bis Hohn grundsätzlich. Wie es einem letztlich vorkommt, hat man bei Mahler ein reichhaltiges und differenziertes Gefühlsleben, das aber auf einen nihilistischen und depressiven Intellekt trifft, einen beinahe zynischen und sarkastischen, obwohl er das durchaus nicht ist. Einen skeptischen Intellekt, der die Gefühle subvertiert. Das ist, zeitenunabhängig, vielleicht der Schlüssel zu Mahler. Beethoven, der Einzigartigste, hatte ebenso ein reichhaltiges, differenziertes Gefühlsleben, aber (so gesehen vielleicht) einen Intellekt, der mehr – genau gesagt: alle – Register ziehen konnte. In der obersten Instanz war es ein strenger und herrischer Intellekt; aber das ist wahrscheinlich notwendig, wenn er integrativ und alles zusammenfassend sein soll und hohe Formen aufrichtend, die mit sich selbst identisch sind. Wenn sich das Charisma von Beethoven auf einen Punkt und einen einzigen Begriff bringen ließe, dann liegt es wahrscheinlich in seiner übernatürlichen Folgerichtigkeit (deswegen scheint seine Achte Sinfonie so zu stören, wenngleich sie sich, zumindest als intellektuelle Raffinesse, ja großartig einreiht zwischen die Siebte und die Neunte). Die heutige Zeit ist kulturell die einer negativen gekrümmten Raumzeit, bei der alles ins Unendliche, Offene und Indefinite schießt und nicht mehr zu sich selbst zurückgeführt werden kann, und bei der gewisse romantische Naivitäten, wie zu Lebzeiten Beethovens, nicht mehr möglich scheinen. Wie soll man eine negativ gekrümmte Raumzeit titanisch bezwingen und zu einer Einheit zusammenführen? Allerdings ist auch eine negativ gekrümmte Raumzeit einheitlich und logisch, nur die Anschauung davon ist schwieriger. Ich nehme an, Beethoven hätte auch die negativ gekrümmte Kultur beherrscht, denn in einer solchen negativ gekrümmten kreativen Raumzeit hat er ja immer schon wesentlich gelebt. Beethoven hat auch vom Menschen nicht beherrschbare Kräfte wie das Schicksal (Fünfte Sinfonie), die Natur (Sechste) und die Freundschaft/die Diversität der Millionen (Neunte) gebändigt. Er hat Napoleon verworfen (Dritte Sinfonie). Dieser Taube hat die Unendlichkeit gehört, hat Victor Hugo über Beethoven gesagt.

9. November 2022

Warum ich ein Schicksal bin

Einer (offenbar falschen) Erinnerung zufolge ist es mir, als hätte einer einmal gesagt: Zum Schluss sei Nietzsche in seiner Selbststeigerungsdramatik nichts mehr übrig geblieben, als, entpersönlicht, eins zu werden mit dem Schicksal. Zum Schluss führe das Transzendenzbestreben zu nichts mehr, als, lapidar und fatalistisch, darin aufzugehen, dass man „ein Schicksal“ werde. Das sei der Weisheit letzter Schluss (vielleicht also sollte man ihn besser vermeiden: denn was bringt so was denn?). Im Schlussabschnitt von Ecce homo, betitelt Warum ich ein Schicksal bin, seinen tatsächlich in etwa letzten Worten als geistig noch Lebender, schwelgt Nietzsche dann auf jeden Fall endgültig in Phantasien von der Heraufkunft des Bösen, der Vernichtung, des Antichristentums, des Immoralismus. Das ist es, wohin sein Transzendenzbestreben und Übermenschentum ihn zum Schluss gleichsam hingebracht hat. Ja, das kenne ich alles nur zu gut! Ich habe ja auch meine Freude am Antichristlichen und dem radikal Bösen. Bands wie Blasphemy, Bethlehem, Beherit, Proclamation, Abruptum oder Archgoat, die den besonders radikalen und abgefuckten Bestial und War Black Metal bzw. Ritual Black Metal spielen oder das Splitalbum von Pure Evil und The True Werwolf geben mir schon Land und ermöglichen mir (zeitweiligen) Aufenthalt, in sehr entfernten Regionen des Seins. Besonders der Pure Evil/The True Werwolf Split ist sehr weit draußen, wo das stabile Raumzeitgitter in einen Abgrund stürzt und man dann nur mehr die absolute Wand des Nichtidentischen, die absolute Begrenzung des Seins vor sich hat. Ja, so ist das. Es ist notwendig, sich in diesen Denk- und Seinsbezirken unbeschwert aufhalten zu können, genauso unbeschwert, wie in zentraleren Denk- und Seinsbezirken. Nur dann, so vermute ich, ist man in der Lage, das Zentrum zu verstehen, von dem alle Verbindungen ausgehen; nur dann ist es einem möglich, den ganzen Schaltplan des Seins zu erfassen: Wenn man Archgoat und den Pure Evil/The True Werwolf Split versteht, wenn man zu Nether Tombs of Abaddon und allgemein dem Zeug vom Nuclear War Now! Label eine osmotische Verbindung herstellen kann! Wenn man diese Denkmöglichkeiten erfassen kann! Das praktisch Böse hingegen ist mir zu dumm, ihm fehlt die Komplexität und Ausdifferenziertheit. Es ist, zwar vielleicht labyrinthhaft verworren, aber beschränkt und endlich, und daher nichts für unendliche Geister. Nietzsche hat das Böse nicht wirklich verstanden, seine Ausführungen dazu sind von bestürzender Naivität. Ob er Nether Tombs of Abaddon oder den Pure Evil/The True Werwolf Split verstanden oder geschätzt hätte, ist zumindest nicht sicher. Der elitäre Hochmut hätte es vielleicht verhindert, der Antithese tatsächlich furchtlos ins Auge zu blicken, so wie er zu seiner Zeit und zu allen Zeiten den Armen nicht furchtlos ins Auge blicken konnte, den Tschandala, den Sozialisten und Anarchisten und der Disharmonie in der Musik. Denn so war Nietzsche. Aus dieser Ab-gespaltenheit heraus ist ihm die Selbststeigerung dann auch nur unzulänglich gelungen, indem sie immer wieder nur auf sich selbst verwiesen hat und weniger auf die Möglichkeit der Symbiose mit dem Anderen und mit der Welt, war sie gewissermaßen ein Leerlauf, der den Übermenschen immer verfehlt, dafür dann aber mit der Herrschaft und mit dem Bösen gemeinsame Sache machen will. Als paranoide Persönlichkeit hat Nietzsche mit dem Willen zur Macht und der (redundanten, zirkulären, nicht-transzendenten) ewigen Wiederkehr des Gleichen und seiner Sympathie für die Herrschaft und für das Böse, an denen er, entgegen seiner allgemeinen Gewohnheit als Denker, dann so entschieden festgehalten hat, eventuell seinen eigenen, echten Wesenskern erkannt bzw. als metaphysische Prinzipien verkannt, genauso wie er – in an und für sich krankhaftem Ausmaß – von den Armen, der „décadence“, den lebensverneinenden Kräften erschrocken war und sich dauernd von ihnen bedroht gefühlt hat, so sehr eben, dass er sich in den Immoralismus geflüchtet hat.  Der Bestial und War Black Metal hingegen sagt frei heraus, dass er gegen das Leben gerichtet ist, und er ist so obskur und seine Musik ist so schlecht, dass es zum herrschaftlichen Mainstream nie irgendeine Verbindung geben wird. Wer den Bestial und War Black Metal als Denk- und Seinsbezirke kennt und schätzt, ohne ihnen freilich bedingungslos zu verfallen, hat hingegen die Möglichkeit, den hochzeitlichen Ring der Ringe zu schmieden und seine Transzendenz so abzurunden, dass sie ein perfekterer Kreis als das Sein, ein perfekterer Kreis als die Schöpfung wird. Er ist dann definitiv draußen aus diesem Sein.

Um aber zum Eigentlichen zurückzukommen: der Gedanke, dass einem als letzte und höchste Seinsstufe nur mehr bleibt, „ein Schicksal“ zu werden. Lapidar und fatalistisch, ohne echte Persönlichkeit und Idiosynkrasie, wie es scheint: Lohnt sich der Aufwand? Wird man, vor allem, dabei nicht auf eine viel niedrigere und primitivere Seinsstufe zurückgestoßen, ist es ein unwürdiger Regress? Das Schicksal ist blind und blöde. Das Schicksal ist aber auch der Chaosmos – das Zusammenspiel von Zufall und Ordnung – und damit das tiefste und eigentlichste Prinzip der Welt. Wenn man eins wird mit dem Schicksal, hat man die größte nicht mehr hintergeh- und transzendierbare Identität mit dem Sein gewonnen; höchste Weisheit ist es bekanntlich, mit „dem Flow zu gehen“; wenn man ein Schicksal wird, geht man definitiv mit dem Flow. Man ist der Flow. Wird man ein Schicksal, so verliert man, so scheint es, nicht nur das Ego/Ich, ja, man verliert sogar die höhere Stufe des Ego/Ich: das Selbst. Die Persönlichkeitsgrenzen aufzulösen ist gut: während Depersonalisierung ein Regress ist, ist Transpersonalisierung, also eine Osmose mit dem Sein, ein Progress. Es ist gut, ein Schicksal zu sein. Dafür muss man freilich sehr viel tun, im Hinblick auf Selbstüberwindung und darauf Achten, dass die eigenen Lebensbahn Sinn macht. Man bezahlt sein Karma ab, wenn man ein Schicksal wird. Überwindet es, denn das Schicksal ist eine tiefere Macht als das Karma (indem es gar keine Macht ist, sondern eben ein Chaosmos). Ein Schicksal wird man, wenn man ein authentisches Streben hat und so, eventuell, zugrunde geht. Das erhöht dann, post mortem, das Charisma, das von einem ausgeht, denn die Menschheit braucht so etwas, um sich ihrer eigenen Authentizität zu vergewissern. Bands wie Behexen, Bethlehem oder Archgoat, die Bestial und War Black Metal spielen, sind authentisch. Sie sind so antithetisch und seltsam, dass sie sehr wohl ihr eigenes Süppchen kochen. Und eigene Süppchen zu kochen, macht glücklich. Studien zufolge sind Metal Fans glücklicher als der Rest der Gesellschaft. Das erscheint paradox, ist aber leicht nachvollziehbar unter anderem dadurch, weil ihre Musik eben authentischer und realistischer ist. Während der Gutteil der populären Musik über Statussymbole und Fake-Beziehungen und, aller-allerjüngstens, über den Feminismus singt, singt der Metal über den Satan und blickt ihm unvermittelt ins Auge und nimmt ihm so seinen Schrecken. Der Gutteil der populären Musik ist unhörbar und schlecht, allerdings nicht, wie der Bestial und War Black Metal, absichtlich. Man mag die Philosophen fragen: Warum machen sie denn nichts Normales, warum reden sie denn nicht wie normale Menschen? Nun, weil die Normalität ein schlechter Gegenstand für die Philosophie ist. Die Normalität hat man schnell verstanden; denn die Normalität besteht darin, dass viele Leute ein paar einfache Verhaltensweisen voneinander kopieren. Die Ritualmusik von Abruptum hingegen kommt von den äußersten Bezirken des Seins, die kaum kolonialisiert und umdefiniert werden. Also muss man auch die verstehen. Nur wenn man über diese Außenbezirke des Seins das Integral legen kann, sie flexibel in seinen Bannkreis ziehen kann, osmotisch, kann man wohl eine integrale und integrative Sicht auf die Totalität des Seins haben (und das ist dann der Übermensch). Weil Nietzsche das nicht gut konnte, ist er wunderlich geworden und hat zwei verschiedene Bahnen gezogen, eine progressive und eine degressive (entsprechend der gesunden Anteile seiner Persönlichkeit und der kranken), ohne den hochzeitlichen Ring der Ringe schmieden zu können, der sich nur über eine Osmose des Denkens und des Empfindens mit dem Sein ergeben kann. Eines der führenden Plattenlabel für Black Metal heißt übrigens Osmose.

Homage to Betty Davis

Miles Davis was a genius within 20th century music and Betty Mabry was the short-time wife who had been „too wild for Miles“. She is considered funk music´s „deepest secret and most painful truth“. For me personally, she ranks #2 on the list of distinguished phenomena within popular music.

Betty Mabry was born July 26, 1945 in North Carolina into a music-loving family and began to write songs already in childhood (she said, she had always felt that something was inside her that needed to reveal itself and that needed to come out). At age 16, she moved to New York, to enroll at the Fashion Institute of Technology, where she quickly became part of the hip Greenwich Village culture scene. Due to her extravagant taste she successfully worked as a model and became a center of attention also for musicians, including Sly Stone, Eric Clapton and Jimi Hendrix to whom she became especially close. In 1968 she got married to Miles Davis, and although the divorce would come only one year later (with Miles admitting that Betty had been „too young and wild“), she had a considerable influence on his further artistic and stylistic direction. Miles Davis had become outdated in the late 1960s, yet with the help of Betty he managed not only to catch up with the hippie and psychedelic movement but also to become once more avant-gardist in jazz with his album Bitches Brew, where he would introduce electronic instruments into jazz and with which he would initiate jazz fusion. In 1973 Betty Davis released her own and self-titled debut album, a funk album, yet also an album that sounded like nothing anyone had ever heard before. Supported by a phenomenal band, you had an extremely heavy and raw, edgy and intense funk that would come in a strangely originate and primordial way, some kind of music that did not seem to have true or logical predecessors and that did not match up with any expectations. It seemed to be even a comment and some meta thing about how music could sound or could be conceived, i.e. something profoundly intellectual and philosophical, while at the same time being profoundly visceral (i.e. an extreme in both the cultural „highs“ and „lows“ (yet, as it would unfortunately turn out as concerns prospects for mainstream success, nothing in between)). Betty herself would come in as something more independent and originate than any woman´s liberation movement could have conceived at that time (and ever since), touching tricky and „forbidden“ subjects with baffling originality and naturalness. She was no great singer, yet overcompensated it with an extremely powerful vocal performance, which you would attribute rather to some big black mama and not a delicate being like her. This mix added up to something that comes in as heavy and confrontational as, maybe, heavy metal, despite metal would rise to such a level of sonic intrasingence and intensity only a decade later. On top of that, Betty Davis displayed a stage personae that was larger than life and more human than human all the like: a dominant, sexualised and forceful woman who is commanding and perfectly in control of herself (therein also not exactly helping herself in turning her into a sex object (for a larger audience), as she remained profoundly subjective). At the same time, her private persona was described as very different: thoughtful, sober and introverted, and, above all, „very spiritual“ in her own manner. Also, despite cranky anthems like Bar Hoppin` coming from her, she reportedly neither drank nor did she do drugs. Two more albums in the same fashion, They Say I`m Different (1974) and Nasty Gal (1975) would follow, while the fourth (and, as some say, the best), Is It Love or Desire? would only be released more than three decades later, in 2009. Tensions between Betty and the music industry and also between Betty and the band had become unsustainable within the recording process. During her career in the mid-1970s, Betty was a paradoxon: both a star and with great superstar potential, yet effectively a niche phenomenon. Muhammad Ali and other distinguished people would come to her concerts, artists like Prince would later cover her and rave about her as a major influence, while a more general audience would ignore her, radio stations would give her not airplay, and the mainstream media hardly touch upon her. Also the support of Miles did not get her much off the ground, and also not in the black community. „Black people are pretty appropriate“, she said, and at that time, after the end of official segregation in the 1960s, the majority of black people in America struggled to be accepted as „normal“ by the whites, i.e. copying some kind of petty bourgeois attitude that is naturally hostile to the extravagant and the exotic and sees it as a threat to their own integrity (as viewed by others). The (white) music industry tried to shape Betty and make her more mainstream-compatible, while she in turn wanted to remain in control over her artistic vision. Yet, with this stubbornness she has basically „ruined my career“, as she would later admit. The Funk Queen Betty Davis disappeared from the scene in the later 1970s. At the end of that decade she would nevertheless record songs in disco fashion that would only be released in the 1990s (Hangin´Out in Hollywood / Crashin For the Passion) – a failed experiment that is not even mentioned in her „official“ and „canonical“ biography. At the beginning of the 1980s, as her musical and artistic career seemingly had become directionless and she probably realised that there did not exist true outfits and outlets for her specific type of creativity in this world, also her beloved father died, which obviously took away a further fundamental source for her stability. She reportedly had a mental breakdown at that time, and began to vanish from the scene entirely. Somehow resemblant to another exuberant but short-lived genius of popular music, Syd Barret, Betty Davis lives in a small apartment in Pittsburgh ever since, although, unlike Syd, she does not refuse all contact to the outside world. There have been occasional celebrations and reissues of her albums every once in a while, and recently there has also been a documentary about her (Betty – They Say I´m Different, by Phil Cox), yet she remains an insider story until today. One wonders what this once highly flamboyant individual has been doing in such a long time and what has become of her. When she talks, she does so slowly and a bit hesitantly, but also in expressing herself in a precise way, with some warmth and interest for the other, while also keen to keep her privacy. Age and events seem to have taken their toll on her, yet at the same time she seems alert and aware, in control and grounded in herself. As she notes herself, her (though not absolute) silence is a (though not absolute) silence for good: (once a tormented creative), she has finally „found peace“.

The story of Betty Mabry Davis. Is it a story of success or of loss? Is it a story of the triumph of individuality or its perils, eventually causing breakdown? Nothing around the story of Betty Davis and the idiosyncratic appeal of her records seems easy to describe. There always seems to be something that evades such efforts. Betty Davis and her records had actually been a profound cultural phenomenon, one that shatters the earth; you would even think of a metaphysical event, a trembling in the universe. Nietzsche says, the genius wants to carve a trace into being, into the universe, he wants to trench existence. Upon reflection, such a thing you might have with Betty Davis. Yet why is there so little effect, of something so universal? Well, the paradoxon of the universal and the absolute is that it puts the local and the relative under threat, and its impact on the world is both little, but also lasting and profound, as it amalgamates the universal and the local anew. Religious figures are hardly those who found and institute a religion, its their disciples that will do. Filmmaker Andrei Tarkovsky remarks that the story of the genius is of universal appeal and significance, as the struggle of the genius illustrates the struggle of any individual to both become oneself and to unite, realign and reconcilliate oneself with society. The genius struggles for happiness; happiness, according to Tarkovsky, would be „complete freedom of the will“. Yet the more complete the freedom of the will, the more one would become detached from society and its norms and traditions and the possibilities to communicate with society; finally, such an individual would become „as lonely as Beelzebub“. The loneliness of the long distance runner (with Betty throwing the race, because it seems all so futile, for good). When you listen to Betty Davis, you are, and remain, under the impression that you are confronted with something distinctly residing above you, above your head and above your soul, a superior, (yet, as you sense, a therefore consequentially tragically) seperated entity. That does not make people feel they can relate, of course. „If you want to be an original, get ready to get copied“, said Coco Chanel. Yet unlike rebellious female icons within popular music, from Debbie Harry to Madonna to Pink, Betty Davis could not be truly copied. She was an almost insular being, composed of too many qualities – and having taken those qualities to their extremes – that may be in perfect harmony within herself but seen as oppositional or as a confusing mix from the perspective of regular people. She is one of the very rare individuals who are not even a part of society and cannot be influenced by society and its norms (for good) but reside above it; therefore, seeemingly, their powers to influence contemporaries a lot seems naturally restricted. Her problem was that she was not only different, but too different from anyone or anything else. Betty Davis´ records, not only her performance but also the music may seem confusing. They seem to transmit many messages. It is a music that is there, and very present, but also elusive. Vibrating, escalating, punching the line, alongside the pathless path. You´re always under the impression that this music has its own meta level inherent, it seems both music playing and music permanently evolving, improvising, creating itself, experiment with itself, and experiencing itself; frustrating expectations and then coming up with more than anyone would ever expect. It is highly interesting, and so she seems to end up with making music for people who are extremely interested in music. Yet, despite music being omnipresent and making the bourgeoisie and the rebel, most people, and mainstream audiences, aren´t truly interested in music. To reach them, you supposedly need to come up with something more uncomplicated (and who would ever think that the raw and terrifying funk of Betty´s records would be something for mainstream audiences in the first place?). Yet the heart of it all seems to be indifferent to such elitist ruminations: Betty was fed up with being a niche phenomenon for insiders. She wanted to become a true star. Yet, in order to become a great star, you have to come up with catchy music. Among her many talents, writing catchy popular music was not among them and her efforts to leave raw funk behind and turn into contemporary disco sounds proved lacklustre at all. She seems to have been – consciously or not – a philosopher of music, and the philosopher needs to stand aloof from society. She saw too many dimensions, and her music and artistic vision had many layers and was not only multidimensional but seemed to display dimensionality itself, and most people cannot truly see these dimensions, only the shadows which get projected into ordinary world. Betty Mabry Davis´ life probably has been a rare life outside Plato´s cave, the realm of shadowiness and obfuscation. She probably directly gazed into the „ideas“. Who ever gives an idea about the „ideas“? Hardly anyone gives an idea about the ideas! Think of an abstract space where music happens, or where anything happens. Near the coordinate origin, in the void, or in a white cube, something, some vibration, violently emerges, originary, primordial, yet already heavily armed and in full clothing: That is If I´m In Luck I Might Get Picked Up. That is like the heartbeat, that seperates being from nothingness. Who has ever done such a thing? It is a most genuine achievement.

The Wisdom of Motörhead

Lemmy from Motörhead was a bearer of huge charisma, a god for heavy metal fans. Charisma (as well as godliness) is mysterious and difficult to explain, even more so in the case of Lemmy; probably due to his unique mixture of a straightforward and „what you see is what you get“ person and the complexities of his irony and his wit and his many characteristics in general. How would you define him in a single line? To refer to him as a force of nature somehow neglects his distinct humanness, to speak of him of an iconic figure also does not seem to excactly get it neither, as he was too much alive to resemble something rather static. To speak of his distinct humanness, singularity and sharp personality does not pay tribute to the complexities within his personality and the softness associated with the easiness and naturalness he was able to handle them. A simple man of humble origins (that would not even qualify him as a working class hero) he nevertheless carried too many facettes and too much wit to be possible to catch, in his sharp autonomousness also an elusiveness; if you tried to nail him down, he would already be somewhere else and, likely, make you look stupid. Heavily participating in the vibrancy of life, he never seemed to get suprised, perplexed or overwhelmed by the occasional complexities and abysses of the life game, much rather, he remained above, even aloof of them. In his amalgam of a counterintuitive charm and a mild sarcasm, he remained untouchable, and undefeatable. Although he impersonated the angry man, Ute, his promotor for many years, says she had never seen him getting angry with anyone; despite his signature feature being the extended middle finger, he also never became impolite with anyone (although he likely had to deal with a lot of unpleasant stuff throughout his life and career), rather, he would walk away. Despite of his heavy consumption of cigarettes, drugs, alcohol and his excessive way of life in general, there were – over a period of many decades – no grave incidents, near-death experiences or need for rehab as he obviously always remained in control over these passions, a user but not actually an abuser of drugs and booze; despite of his sex, drugs and rock n´ roll lifestyle he never produced any scandals. Never mind his unfortunate appearance and usually displaying a (mildly) sarcastic outlook on the great theme of romance (and sometimes also on women) in his songs he was a major womanizer who had become romantically involved with more than a thousand women in his life, because women loved him. A party animal and obvious great extrovert, people close to him described him as personally rather being an introvert and a lone wolf guy who does not need many friends but is self-sufficient (his bandmates nevertheless referred to him as a great friend and a father-like (or at least paternal) figure). Despite being the essential promotor of loudness, during long trips on the tour bus he would remain quiet and a reader of books, interrupting the tranquility only occasionally, for instance when they passed through a region where battles of wars from the past had happend; then he would explain the incidents in great detail. Apart from his passion for war and military history, he was an educated and interested man in general. Slash sums Lemmy up in his own words: “There’s so many guys out there that think you have to, you know, wear your leather jacket and be the tough guy, be rude and a fucking slob and break shit, to be rock’n’roll. And Lemmy dispelled all that because he was a perfect fucking gentleman. Very considerate and polite to everybody around him, and yet he was as hard-core a fucking rock’n’roller as you’re ever going to find … He’s a complete bad-ass yet always thoughtful. We need more people like this!” 

Motörhead´s signature song is Ace of Spades. Therein, it says, it opens:

If you like to gamble, I tell you I´m your man

You win some, lose some, it´s all the same to me

Ace of Spades has been interpreted as being about the „game called life“ (although Lemmy has dismissed such thoughtful interpretations, insisting that it was merely inspired by his passion for gambling). Irrespective of that, it says something about the most central aspects of life: diving into it, and taking its vicissitudes lightly – to a point where they do not even matter or become experienced as such. Way too often, if you lose some on the life game, anger, frustration, trauma and revengefulness set in, may even hollow out the personality and become a life theme for the respective individual. If you win some, instead, other vices may come out („If you want to find out what a man is to the bottom, give him power“, as it says). Maybe this is so because ego and vanity play a big, all too decisive role in ordinary human psychology. Therefore the Buddha teaches us to leave the ego behind. Motörhead seem to always have known –

I don´t share your greed,

The only card I need

Is the Ace of Spades,

The Ace of Spades

LaRochefoucauld says, the surest sign of nobility of character is the innate absence of envy (or, also, if you may, greed, that is the same egoic passion in another disguise). Lemmy does not share envy nor greed nor egoic passions and is not interested, his only passion and the only thing he is interested in is the Ace of Spades, that is to say the Joker of the life game, the magic jewel that is able to represent the essence or signficance of any other card.

You know I´m born to lose,

And gambling is for fools;

But that´s the way I like it, baby,

I don´t wanna live forever

…. And don´t forget the Joker!

Gee, I think that´s the way it should be done.

What added to the enigmatic charisma of Lemmy and his larger-than-life persona was that his psychological and intellectual indestructibility seemed to have been gladly accompanied by physiological indestructibility. Even more than Keith Richards he seemed to epithomise physical immortality regardless of a very unhealthy lifestyle. I wanted to see Motörhead in 2013; yet just on that day the cancellation of the show had to be announced, due to health issues of Lemmy Kilmister. Although he recovered and continued to play a lot, his fragility had become visible and that day initiated the final act of the comedy that came to an end more hastily than anticipated. Although he had been investigated and treated medically in various ways, it did not become obvious that he suffered from cancer that was, then, already in its very final stage. When he got informed about the vast progression of his cancer and that he would only have some weeks left to live, he reportedly reacated with the reaction of a true man: with an outburst of anger. He died two days later, reportedly while playing a computer game. Some weeks after that, in February 2016, Motörhead were expected to come to Vienna, with Saxon and Girlschool as support. I wanted to see them then. Again, it could not happen. The day he died, shortly after his 70th birthday, was a sad day all over social media. Years before, he had said in an interview: „I´m gonna play until I´m seventy. Then I will drop dead from the stage!“

„The most important thing in life? A sense of humour. Lose it, and you´re done. You might as well take a bullet in the head.“ Kierkegaard said somehow the same; that the only attitude that might triumph over the necessary vicissitudes of finiteness, is humour. And Kierkegaard was praised as „by far the most profound philospher of the 19th century“ by Wittgenstein (himself by far the most profound philosopher of the 20th century). Kierkegaard (as well as Wittgenstein) was exalted as well as depressed about life. Lemmy was beyond that. My extremely careful study about Kierkegaard I ended with the expression that Lemmy was God, and Kierkegaard was his prophet (if you think that I´m stupid or employ stupid jokes all the time, take into consideration that I´m by far the most profound philosopher of the 21st century. Thus spake Zarathustra). The only time I´m easy is when I am killed by death.

Aliens Looking for Real Fun (Spellling, Shampoo, Sheidlina and the Antisphere)

Spellling I find to be the contemporary Queen of Pop and the greatest Queen of Pop since Shampoo! Consequently, Shampoo are barely remembered and Spellling is barely known (currently she has 1.824 followers on FB). Shampoo were perfect individuals, and individualism is what (some) people try to achieve and some collective phantasma; in the final instance, nevertheless, the individual is an antithesis to any collective and therefore disembedded. The perfect individual will be truly monadic, and the highest degree of individuality gets achieved when someone erects his empire in the highest anarchy, as a loner and a hermit, says Nietzsche. Whereas Shampoo were a fusion of punk, kitsch, girlie pop, abrasiveness, cuteness, Sex Pistols, East 17 and Gary Numan; Spellling is commonly characterised as an amalgam of afropop, R & B, darkwave, vintage electronic, howling, whispering, presence and elusiveness, something that is child-like as well is it is uncanny and haunted. Yet, by all means, the music of Spellling is perfectly pure and in no way derivative. Bhagwan, the 20th century Zarathustra, says: One who wants to transcend this obnoxious humanity will need to be so extreme that humanity will deem him/her crazy! Spellling appears highly eccentric, also (occasionally) in the way she dresses (at most occasions she is just rather casually clothed though, like I am, since we are no pretenders), in reality she is just completely sane and is the magic source and the center from which all rationality and creativity pours out. There she stands, in stasis, where everything around her revolves! Nietzsche says, (when the highest level of consciousness is reached), there shall be „something inexpressible, to which joy and truth are only feeble after-images … earth is losing its gravity, the incidents and the powers of earth become dream-like, like on a summer evening a transfiguration and glorification comes into place….“ (Schopenhauer as Educator). Yes, indeed, strange celestial realms, which are beyond that what is commonly imagined as Heaven (since they also incorporate, as a necessary by-product of totality, Hell). It is the Antisphere! In Heaven you are in a permanent communion with Christ, the Grand Unifier. However, how should the wandering mind be in an everlasting communion with anything, including the Grand Unifier?! The Antisphere explodes with colours. It is the phase space of creativity. In the Antisphere you are in a negatively curved space, on a line of flight into infinity, as you are in permanent communion with your own transgression. In the Antisphere you do not want to confirm of affirm yourself. You want to get rid o fand away from yourself. All my life I just tried to get away from myself, said Marcel Duchamp, the Holy Ghost of 20th century art. That´s the spirit of art and of (any sort of) enlightenment! In the Antisphere you are in perfect harmony with yourself, since in the Antisphere you are the source. Janis said, of all the great artists he had personally met, only Duchamp and Mondrian had been truly harmonious and uncompetetive personalities. This is the Antisphere. Spellling says she loves the figures of wizards, tricksters and jesters. Yorick, the Fool. Spellling says the essence of Spellling is about capturing the essence, the magic of every moment. As concerns the heavens, Spellling says she does not know about the afterlife, but she is interested in parallel lives. Her dad has synaesthesia. In the video to Under the Sun (set up by congenial collaborator Catalina Xavlena and in which you see the Antisphere) she dances like the most intelligent person in the world. In general, in the Antisphere the dances between signifier and the signified are beyond common understanding and beyond the limits of (post) structuralism, they become a unified whole, reality and dream become one, the phantasma becomes transgressed; it is the mind of the Grand Unifier death to false metal.

Solange, the little eccentric sister of Beyoncè, I find also charming ->

Sheidlina is also from the Antisphere. She once said, after doing this stuff for years, she has come to recognise that coolness like that will only ever be something for a tiny minority to be grasped (haha, very cool!).

Der Barbier von Sevilla

Rossini ist der Yorick unter den Opernkomponisten und Der Barbier von Sevilla ein vollendetes komisches Meisterwerk wie der Goldrausch von Chaplin oder das Satyricon vom Arbiter, seine Musik ist heiterer und unbeschwerter als die von Motörhead (wenngleich sie freilich nicht ganz deren kämpferische Energie hat). Da es, außer evtl dem Don Giovanni, keine vollendeten Meisterwerke in der Oper gibt, steht somit in einem gewissen Sinn der Barbier von Sevilla über allen anderen Opern.

Marcel Proust Goes to the Rocky Horror Picture Show

I found something lovely  (gives me some terrible thrills)

Philip Hautmann I especially like this song and the lyrics as they transport – well – nostalgia for a more perfect world within a mind that is otherworldy and that is at home in outer space repectively that lives in the future which is, paradoxically, the subject of his inverted nostalgia. It leaves open room for various other interpretation as well. It somehow makes you feel such secureness and embeddedness in something that cannot be explicitly described and Patricia Quinn as the nostalgic as well as timeless Usherette looks very cute. It is Proustian as recovery of memory and lost time, the climax of the Proustian enterprise to achieve total information awareness and completion of self as Time Regained. What is especially admirable is that does not stand at the end point of the geniuses quest, something he has won after hard effort of creating a hyprcycle out of his own self, but as a somehow light and fluffy introduction to the enterprise, thereby clearly taking Proust unexpectedly and by surprise. Hail Richard O´Brien!

Stephan S
vor 4 Monaten
Does anybody know if this is really the voice of young Patricia Quinn?
However, it is badly sung but so genuine and authentic that I wish I’d been there in 1973. Times of craziness and creativity. So sad it’s all over.

happytree68
vor 5 Jahren
I wish they had kept the usherette to introduce the movie. I think she’s just so delightful. She’s so adorable, she seems to represent an age to true movie escapism. You could almost imagine her being yelled at by her boss because she keeps lingering in the theater to watch the movie instead of working.

Addendum Sept 2 2022:

When I was a child, both me and my mother, Eva, liked the Rocky Horror Picture Show a lot and we watched it multiple times. And I used to feel attracted to the intro song, Science Fiction Double Feature; as it seems to display a thoughful, ruminative, a bit melancholic nostalgia about a dreamy world bygone, yet still present, persistent and accompanying at the same time. All the same, the more propelling original version (I came across much later), performed by the girlish, enthusiastic yet solitary Usherette, is way more heartwarming than the film version. I think the strange charisma of the song lies in being, in an unexpected way, expressive about being safe, about being sheltered, due to some innocent enthusiasm, in and by some innocent, protective, reconciled, quasi celestial world, that has been erected by others, but that is nevertheless all yours. In a world full of monsters, killing technology and aliens there is are still realms of some naive, comforting harmlessness; if you stick to it. I seem to like it that way. Maybe I even need it.